目耳计划

视觉艺术展览

自现代主义产生以来，音乐和艺术便相互给予灵感，并产生了大量富有创意的项目，从剧院、歌剧，电影，行为艺术，到影像艺术和装置。音乐与视觉艺术长久以来一直相互吸引和相互影响。基于这样的灵感，今日美术馆与摩登天空共同推出了“目耳计划”，并邀请凯伦史密斯为策展人，这次展览汇集中国当代最活跃的年轻艺术家和音乐家，创作包括架上、影像，行为，装置，电影在内的形式多样的，给观众带来独特音乐视觉体验的艺术作品。fat art之“目耳计划”是一个有关视觉艺术的展览，其特别之处在于：这是一个结合了音乐的视觉艺术展览。

参展艺术家简介

虽然他如今大部分时间是创作自己的摄影项目，而且还运用移动影像，但他之前的职业是口碑很不错的商业摄影师。有时拍摄北京的名人和社会人士。接受一些私人委派的项目，被任命于拍摄那些北京有魅力的夜生活，近些年，周越开始关注日益变化的城市风景。他从来都不放过拍摄他自己的视觉作品的机会。他总是晚上，在黑夜中到那些人们聚会的场所，用地方方言去“玩”。在观察北京（夜）生活中，周越直观地，冲动地记录着人们那些无意识的时刻。他记录着各个角色最自然的状态，每个角色背后失去光泽的真实。他享受我们在黄昏时分卸下伪装的状态。通过周越的镜头，我们看到了未经修饰的城市环境，任何人造的美丽都媲美不了。[1]

发起人

“目耳计划”是FATART系列发起人摩登天空的第一个展览。作为一个项目，FAT ART的概念是为参与在其中的每个人——不仅是策展人，提供充足的机会去冒险。在文化历史中，有很多富有创意的项目是通过音乐（声音）和艺术的相互启发完成的，从戏剧到京剧、电影，从行动艺术到行为艺术，录像和装置作品。那些有创意的人走出自己习以为常的圈子到其他领域结识新的合作伙伴有时也是很有必要的。即使他们最终可能还是选择继续待在自己习惯的圈子里，但全新的经历可以增长见识。当今实现起来确实很困难，但是就因为困难，因为有些合作或实验有可能会失败，我们才需要像拥抱困境一样拥抱它们。这就是为什么有时候重要的是“你不知道事情最后会向哪方面发展”，这样想的话，这条路就没有意义。

这样看来，摩登天空和今日美术馆的合作很合适。他们都很年轻，富有创新精神，而且都是独立机构，被认为是各自领域的先锋。摩登天空是领先的音乐发起人和唱片公司；今日美术馆是中国北京唯一一个私人的非营利艺术机构。他们都致力于在视觉艺术或音乐领域支持艺术，而且经营到今天都冒了一定的风险。所以主办方和发起人之间有着清晰的合作理念和目标。

概念来源

FAT ART系列展的概念源自于音乐唱片公司或音乐制作人和美术馆想达成“有音乐感”的展览这个概念。这很新颖也很不同寻常。显然这个主意很不错，因为很多的艺术家都热爱音乐。但是热爱音乐和以声音作为艺术项目的一部分是两件非常不同的事情。做“有音乐感”的展览这个想法有些偏离我之前所尝试的，但既然音乐是我生活中很重要的部分，这个想法也是可以理解的：我写作，跳舞，工作，大笑，哭泣……甚至睡觉都与音乐为伴。我很期待看到和“声音艺术”如此近距离的接触后会产生怎样的火花。

声音一直就是展览中的一部分，今天不难发现，声轨、声音特效、歌和对话成为博物馆的漩涡中心。不久之前，博物馆还是无声的世界，参观者们需要遵守规则保持安静，就像在图书馆一样。这一切都随着先锋录像艺术的出现所改变，即使在这之前也许你会说，英国艺术组合，“吉尔伯特与乔治”的作品《唱着歌的雕塑》在1969年以一首无忧无虑的歌打破了艺术的禁忌，或是更早的录像艺术先锋白南准1969年的作品《参与电视》，在欣赏作品时，观众必须指挥他们自己的声音，控制电视屏幕上出现的图像。声音因此在作品中属于表演艺术、录像作品。尽管早年的一些“声音”艺术家，当今的我们还并不熟知。这其实就是为什么我们要极力把声音与录像艺术相结合。

从录像艺术中引发的一个视觉艺术体验的概念是：时间。最初，录像艺术通过一系列运动的影像传播，要完整的看完一个动作需要花几秒钟、几分钟，甚至几小时。观看者常说录像艺术的特质是“依据时间展开的”，这是以一个很笨拙的方法来欣赏录像艺术。预计出参观整个展览需要花多少时间，或完全享受一件作品所花的时间是无法实现的。因此，一个完全不同的方法产生了：五秒的“一瞥”。在这一瞬间，长时间的创造性表达被浓缩在了这一眨眼的时间里。体验被简化了，作品是如何制作的，之后会怎样，以及作品的所有意图都成为了纯粹的臆测，艺术家在创作作品时任何也许有的惊奇的元素都不见了。声音作品成为了我们日常视觉体验的另一种无实体的片段。

“目耳计划”在音乐方面是怎么样的呢？因为人们要花时间去体验声轨，无论是什么形式。策划一个有“声音”的展览与举办一个录像艺术展所遇到的问题一样，把音乐和视觉艺术的集中点放在哪里？在决定如何策划目耳计划时，我所关心的是参观者对这个每样作品都花时间创作的展览有何反应。如果艺术家努力地想出一个新颖的计划，我们相信观众会愿意徘徊多一些时间去聆听结果。我希望参观者可以脱掉鞋子，坐下来，就像在家一样，闲逛。

把声音和视觉作为艺术结合在一起意味着什么？

回答起来不像听的那么简单。每一个参与展览的人都不愿意简单地把一件艺术作品配给一段音乐。更重要的是吸收一组独特，多样的作品，作品中的音乐或是声音是一个整体的概念，而不仅仅是配音。展会决定邀请艺术家为这次展览创作作品：先让艺术家了解这个项目，他们可以不用马上答应是否参加——刘野的肖像系列是个很好的例子，当然艾尼瓦尔和徐若涛的作品也同样是。委托艺术作品总是享有特别待遇。这样策展人可以直接与艺术家沟通，在这之中建立起了一条艰难的学习曲线，当你想了解艺术家或是预见一些潜在问题时便要面临这条曲线。这对于美术馆来说是个很头疼的问题，在这里，今日美术馆和摩登天空面临同样的挑战。因为当策展人不是很确定展览会往哪里发展时，坐在一旁静观是很困难的，因为你要负责统筹技术上的需要，负担费用。无论摩登天空和今日美术馆是否真的享受这个过程或是发现令人担忧的不可预知，他们不允许任何事情去干涉展览本身的节奏。

这次展览中隐藏着危险。但是这显然不是参展的艺术家们所害怕的：绘画艺术家徐若涛这回第一次尝试涂鸦，他选择在展览开幕之前不去“听”他的作品。他的作品直接地体现了他与摩登天空的合作，他创作作品视觉的部分，摩登天空旗下的音乐人格非创作一段电子乐。这两部分最终的合作展现只会发生在美术馆里。同样的，艾尼瓦尔的作品“寂静的避难所”也只有在所有的部分完成后才算彻底实现。直到那时，才能知道这种声音绝缘是否只是个概念。

策划这次展览得到最多的就是探索声音的多样实现方式：声音元素是怎样通过多种多样的方法与视觉元素交织在一起的。

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